Tiểu lục địa Ấn Độ đã sản sinh ra nhiều nghệ sĩ nổi tiếng quốc tế, nhiều người trong số họ đang kiếm được hàng triệu đấu giá trên toàn thế giới. Một số nghệ sĩ thành công và sáng tạo nhất từ Ấn Độ là phụ nữ, và thực tiễn đa dạng của họ khám phá một loạt các chủ đề, từ bản sắc và trí nhớ đến chính trị, lịch sử và văn hóa đương đại. Chúng tôi mang đến cho bạn mười nữ nghệ sĩ Ấn Độ đương đại nổi tiếng nhất.
Shilpa Gupta
Xem xét một loạt các chủ đề từ văn hóa tiêu dùng đến mong muốn, an ninh, tôn giáo, chủ nghĩa dân tộc và nhân quyền, các thực hành liên ngành của Shilpa Gupta sử dụng video tương tác, chụp ảnh, sắp đặt và nghệ thuật biểu diễn, thường dựa vào sự tham gia của khán giả. Hoạt động giống như một trò chơi video tương tác, một loạt các dự án video của cô có tên Shadow (1, 2 và 3) kết hợp các bóng mô phỏng của người xem, được chụp bằng camera trực tiếp. Các bóng được chiếu lên màn hình trắng và tương tác với các bóng khác được tạo bởi các vật thể, búp bê, nhà cửa, chim và các nhân vật khác nhảy múa, nhảy và đi bộ. Gupta là một trong số một thế hệ nghệ sĩ trẻ Ấn Độ có tác phẩm đáp ứng sự phân chia xã hội hậu thuộc địa của đất nước. Cô thường làm mờ, vẽ lại và xóa các ranh giới địa chính trị, như trong 100 Bản đồ vẽ tay của Ấn Độ (2007-2008), bao gồm các bản đồ vẽ tay của người xem từ bộ nhớ hoặc tác phẩm không tên của cô mô tả cảnh sát màu vàng đọc cờ băng, ở đây không có biên giới.
Bharti Kher
Bindi dính, làm sẵn - một trang trí trán truyền thống của Ấn Độ - là trung tâm của thực hành Bharti Kher, và mời các ý nghĩa xung quanh, dao động giữa truyền thống và hiện đại. Kher phát triển mạnh về việc tạo ra nghệ thuật miêu tả sự giải thích sai, hiểu sai, xung đột, đa dạng và mâu thuẫn, khám phá kịch của con người và cuộc sống đương đại. Bindi xuất hiện trong các bức tranh của cô cũng như trong các tác phẩm điêu khắc của cô, thách thức vai trò của phụ nữ ở một quốc gia truyền thống và đề cập đến ý nghĩa tinh thần truyền thống của "con mắt thứ ba". Bộ phim phá vỡ kỷ lục của cô The Skin speak a Language Not Its own (2006) mô tả một con voi bằng sợi thủy tinh đã chết hoặc sắp chết được bọc trong những sợi dây buộc sáng bóng. Công việc của cô tiếp tục gắn kết với những câu chuyện ngụ ngôn, những sinh vật tưởng tượng, ma thú và quái vật huyền bí, như được thấy trong các tác phẩm dựa trên động vật khác như Misdemeanors. Sự vắng mặt của một nguyên nhân có thể gán được (2007) là một bản sao kích thước thật của trái tim của một con cá voi xanh, dựa trên trí tưởng tượng của nghệ sĩ, nhấn mạnh ý tưởng lãng mạn về một 'trái tim lớn' và những bí ẩn gắn kết trái tim với các khái niệm về tình yêu, sự sống và cái chết.
Bharti Kher - Sự vắng mặt của nguyên nhân có thể gán được © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Với giấy là phương tiện chính và vốn từ vựng tối thiểu trong các hiệp hội, Zarina Hashmi tạo ra các tác phẩm trừu tượng cộng hưởng với kinh nghiệm sống của cô về lưu đày và tước đoạt và khái niệm về nhà - cho dù đó là cá nhân, địa lý, quốc gia, tâm linh hay gia đình. Oeuvre thơ mộng, thơ mộng của cô bao gồm khắc gỗ, khắc, vẽ và phôi làm từ bột giấy. Các dòng thủ công và thư pháp của cô tạo thành một yếu tố thống nhất trong các tác phẩm của cô. Ngôn ngữ là mấu chốt cho nghệ sĩ. Letters from Home (2004) giới thiệu một loạt các bản in dựa trên những lá thư từ chị gái Rani, sống ở Pakistan. Trong một cuộc phỏng vấn video Tate, Zarina kể lại việc nhận được những lá thư đó đã giúp cô giữ gìn ý thức về bản sắc như thế nào. Tiếng Urdu viết tay được phủ lên bản đồ và bản thiết kế của những ngôi nhà và địa điểm xa xôi, mang theo bóng tối của những khoảnh khắc và ấn tượng quan trọng về những nơi liên quan đến cuộc sống của gia đình cô.
Nalini Malani
Khái niệm về ranh giới siêu việt là cốt lõi của thực tiễn của Nalini Malani, lấy từ văn học, thần thoại, lịch sử và đời sống cá nhân để tạo ra nghệ thuật có liên quan giữa các nền văn hóa. Từ các bức vẽ đến tranh vẽ, hoạt hình dự kiến, chơi bóng, video và phim, nghệ sĩ tiếp nối truyền thống với các yếu tố hiện đại để giải quyết các vấn đề cấp bách liên quan đến xã hội đương đại. Gia đình cô bị ảnh hưởng bởi Phân vùng 1947 - một chủ đề rất được Malani yêu thích, như đã thấy trong Ghi nhớ Toba Tek Singh (1998), một video lấy cảm hứng từ truyện ngắn cùng tên của Sadat Hasan Manto. Malani sử dụng biểu tượng về cái chết của Bishen Singh - một bệnh nhân tâm thần, từ chối chuyển đến Ấn Độ trong Phân vùng, chết ở vùng đất không có người giữa hai biên giới. Malani, sau đó, đang khám phá những ảnh hưởng của Phân vùng đối với cuộc sống của mọi người và cô mở rộng khám phá này đến hiệu quả của vụ thử hạt nhân ở Pokhran, Rajasthan. Mối quan tâm của Malani đối với Cassandra nằm ở niềm tin của cô rằng mỗi chúng ta đều có những hiểu biết và bản năng. Triển lãm năm 2014 của cô mang tên Quà tặng của Cassandra tại Phòng trưng bày nghệ thuật Vadehra tập trung vào khả năng loài người thấy trước các sự kiện trong tương lai và thực sự 'lắng nghe' những gì đang xảy ra xung quanh họ.
Rina Banerjee
Một tình yêu của chất, vải và kết cấu, cùng với kinh nghiệm sống trong cộng đồng của các địa điểm văn hóa / chủng tộc hỗn hợp cung cấp nền tảng cho các tác phẩm đa phương tiện đầy chất thơ của Rina Banerjee. Cô định nghĩa oeuvre của mình là một cuộc khám phá về 'những khoảnh khắc thuộc địa cụ thể tái tạo lại vị trí và bản sắc như những trải nghiệm diasporic phức tạp đan xen và đôi khi siêu thực.' Banerjee tạo ra các tập hợp đầy màu sắc của hàng dệt may, các mặt hàng thời trang, đồ vật thuộc địa, đồ đạc, vật liệu đóng gói và vật liệu hữu cơ, có nguồn gốc từ các cửa hàng tạp hóa ở New York và được cấu hình lại thành các vật thể mang ý nghĩa mới. Các vật liệu khác thường bao gồm cá sấu chịu thuế, cũi gỗ, xương cá, trứng đà điểu, lông và đồ nội thất cổ. Trong khi sự lai tạo trong các tác phẩm của cô là sự phản ánh nền tảng quốc tế của cô, ngôn ngữ hình ảnh cô tạo ra bắt nguồn từ thần thoại và truyện cổ tích. Đưa tôi, đưa tôi… đến Cung điện tình yêu (2003) là một tác phẩm được trình chiếu tại Musée Guimet ở Paris năm 2011. Nói lên một bài diễn văn về nguồn gốc của cô và quan điểm phương Đông-phương Đông về phương Đông, nó bao gồm một gian hàng bằng nhựa màu hồng được làm theo hình Taj Mahal để gợi lên một cái nhìn về Ấn Độ thông qua cặp kính màu hoa hồng, đặc trưng của sự hiện diện của thực dân Anh ở Ấn Độ - với một tập hợp trung tâm các vật liệu 'kỳ lạ'.
Dayanita Singh
Tạo ra những câu chuyện tò mò về cuộc sống hàng ngày thông qua phương tiện nhiếp ảnh, Dayanita Singh đưa ra biểu hiện trực quan cho một phong cảnh làm thay đổi trí tưởng tượng của nghệ sĩ với thế giới thực. Những bức ảnh đen trắng của cô được trình bày trong một tác phẩm sắp đặt có tiêu đề Bảo tàng, cũng như trong phương tiện yêu thích của cô: cuốn sách. Giấy giữ một ý nghĩa đặc biệt đối với Singh. Các nghệ sĩ miêu tả tất cả mọi người, từ tầng lớp thượng lưu đến rìa xã hội, đưa ra một cái nhìn góc rộng về Ấn Độ đương đại. Mona Ahmed là một nhân vật thường xuyên trong công việc của mình; kể từ cuộc gặp gỡ đầu tiên của họ vào năm 1989 trong một ủy ban của Thời báo Luân Đôn - một hoạn quan sống trong một nghĩa trang ở Old Delhi, một người bị ruồng bỏ bởi gia đình và cộng đồng hoạn quan. Chân dung của Singh về Mona là một cuộc thám hiểm của những người có bản sắc rời rạc và thiếu cảm giác thân thuộc, đó là chủ đề của cuốn sách Bản thân Mona Ahmed. Ngôi nhà tình yêu của Singh làm mờ đi ranh giới giữa cuốn sách nhiếp ảnh và tiểu thuyết văn học, với những hình ảnh kèm theo thơ và văn xuôi thuật lại chín truyện ngắn. Các "bảo tàng" di động, như Bảo tàng Tệp (2013) hoặc Bảo tàng Cơ hội (2014), là các cấu trúc bằng gỗ lớn có thể được sắp xếp theo các cấu hình khác nhau, giữ từ 70 đến 140 bức ảnh. "Kiến trúc ảnh" này, như Singh gọi nó, cho phép cô hiển thị, chỉnh sửa và lưu trữ hình ảnh vô tận.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat thường kết hợp nhiều hơn một phương tiện vào một tác phẩm nghệ thuật. Oeuvre của Kallat tham gia vào các chu kỳ không bao giờ kết thúc của tự nhiên và sự mong manh của tình trạng con người, phản ánh sự thay đổi liên tục giữa sinh, tử và tái sinh; xây dựng và sụp đổ, đánh bại và hồi sinh. Cô thường xuyên làm việc với tên được ghi lại hoặc đăng ký chính thức - của người, vật hoặc tượng đài đã bị mất hoặc đã biến mất không một dấu vết. Một mô típ lặp đi lặp lại trong thực tế của cô là con dấu cao su, một biểu tượng của sự kiểm soát và của bộ máy quan liêu - một "trạng thái vô danh" che khuất và xác nhận danh tính. Kallat đã sử dụng tem cao su từ năm 2003, đầu tư các tác phẩm của cô với sự mỉa mai. Trong Falling Fables, cô đã sử dụng tem có địa chỉ các di tích bị mất tích được bảo vệ theo Khảo sát Khảo cổ học Ấn Độ, tạo ra các hình thức tàn tích kiến trúc, gây chú ý đến tình trạng sụp đổ và gãy xương từ ký ức tập thể xảy ra ở Ấn Độ và trên thế giới ngày nay. Vào năm 2013, cô đã tạo ra Vô đề (Cobweb / Crossings), một mạng nhện trên mặt tiền của Bảo tàng Bhau Daji Lad ở Mumbai. Sáng tạo của cô bao gồm một tấn tem cao su mang tên cũ của các đường phố xung quanh bảo tàng và làm nổi bật lịch sử đã mất. Kallat trước đây đã sử dụng mô típ của web để tham gia vào các vấn đề di chuyển và những người kiểm soát nó. Trong 'Chưa có tiêu đề (Bản đồ / Bản vẽ)', một bản đồ phức tạp về thế giới được làm bằng dây điện và phụ kiện theo dõi các đường di cư thường bị ẩn của người lao động.
[K] Reena Saini Kallat - Chưa có tiêu đề (2008) - Chi tiết © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Thông qua nhiếp ảnh và sắp đặt điêu khắc, Hema Upadhyay tham gia với các khái niệm về bản sắc cá nhân, thuộc về, trật tự, hoài cổ và giới tính, phản ánh về bang Mumbai đương đại - một đô thị với sự đa văn hóa của nó do các phong trào di cư. Một tác phẩm tự truyện thường xuyên bao gồm các hình ảnh của chính cô, như thể cô đang tìm kiếm vị trí của riêng mình trong thành phố, nơi cô bị buộc phải di cư cùng gia đình trong Phân vùng. Trong triển lãm cá nhân đầu tiên của mình, Sweet Sweat Memories (2001), cô đã trình bày những tác phẩm nói về cảm giác xa lánh và mất mát. Loạt ảnh có những bức ảnh thu nhỏ của cô dán lên những bức tranh mô tả viễn cảnh trên không và dưới lòng đất của Mumbai như một thành phố mới tràn ngập.
Sheela Gowda
Kết hợp điêu khắc, nghệ thuật sắp đặt và nhiếp ảnh giới thiệu thành thị và nông thôn Ấn Độ, Sheela Gowda tạo ra các tác phẩm bằng vật liệu hàng ngày, bao gồm các vật thể và vật liệu tái chế như phân bò, kumkum đỏ (nghệ), hương, tóc người, lá vàng, thuốc nhuộm nghi lễ và các vật liệu trong nước như sợi dừa, kim, chỉ và dây. Thực tiễn của Gowda phụ thuộc rất nhiều vào quá trình của nó, làm mờ đi ranh giới giữa nghệ thuật và thủ công, và đặt câu hỏi về vai trò chủ quan của phụ nữ trong bối cảnh tôn giáo, chủ nghĩa dân tộc và bạo lực cấu thành Ấn Độ đương đại. Và Tell Him of My Pain (2001) đã sử dụng hơn 100 mét sợi cuộn được nhuộm bằng kumkum đỏ, lơ lửng và treo khắp không gian để tạo thành một bản vẽ ba chiều. Công trình đề cập đến văn hóa gia vị của Ấn Độ và ngành dệt may - những phần truyền thống của kinh nghiệm sống của phụ nữ - để làm nổi bật nỗi đau của cuộc sống gia đình nữ trong một xã hội gia trưởng.
